La artista formoseña propone un recorrido sonoro profundamente ligado a las raíces indígenas y latinoamericanas, fusionando cantos ancestrales con música electrónica contemporánea. El espectáculo incluirá canciones de “Areté”, su cuarto álbum de estudio, compuesto por nueve cantos en lenguas originarias del territorio argentino. Acompañada por su cuatro venezolano, pistas y bombo legüero, La Charo desplegará un repertorio que también incluirá músicas de sus trabajos anteriores, entre ellas las dedicadas a Mercedes Sosa y su homenaje al canto popular latinoamericano. El concierto propone un verdadero mapa sonoro de América Latina, atravesando distintas lenguas y territorios culturales. En escena, la artista interpretará canciones en castellano, Qom, quechua, Mbya Guaraní, tupí guaraní, ache guayaky, mapuzungun, Selk’nam y tehuelche, en una experiencia musical que une memoria, identidad y contemporaneidad.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

La Charo llega a Concordia presentando “Areté”

Aunque hoy cuenta con el reconocimiento de gigantes como Lucasfilm y The Walt Disney Company, el origen de la fecha es curioso: una de las primeras apariciones registradas del juego de palabras se dio en 1979, cuando simpatizantes de Margaret Thatcher publicaron un anuncio celebrando su elección como primera ministra del Reino Unido con la frase “May the Fourth Be With You, Maggie”. Décadas después, internet y las redes sociales hicieron el resto.Con el paso del tiempo, el 4 de mayo dejó de ser un simple guiño entre fanáticos para convertirse en una verdadera fiesta cultural global. En distintos rincones del planeta, miles de seguidores organizan maratones de películas —desde Star Wars: A New Hope hasta las producciones más recientes—, participan en eventos temáticos, concursos de trivia y exhibiciones de coleccionismo.El cosplay también ocupa un lugar central: no es raro ver a personas caracterizadas como Darth Vader, Luke Skywalker o Princess Leia recorriendo calles, centros comerciales o convenciones. A esto se suman comunidades que organizan acciones solidarias, llevando la saga a hospitales o eventos benéficos.En redes sociales, el fenómeno explota con memes, debates sobre teorías del universo creado por George Lucas y rankings de personajes, películas y momentos inolvidables. Las plataformas de streaming y tiendas oficiales suelen acompañar con estrenos, descuentos y contenido exclusivo, alimentando aún más el entusiasmo.Como dato de color, la celebración no termina ahí: el 5 de mayo muchos fans adoptaron el “Revenge of the 5th” (o “6th”), en alusión a Star Wars: Episode III – Revenge of the Sith, dedicando la jornada al lado oscuro de la Fuerza.Lo que comenzó como un simple chiste lingüístico se convirtió en una de las celebraciones más originales de la cultura pop. Cada 4 de mayo, sin importar la edad o el lugar, millones de personas se conectan a través de una misma pasión, demostrando que el legado de Star Wars sigue más vigente que nunca. Porque, al fin y al cabo, la Fuerza —y su mensaje— trasciende generaciones.&nbsp;

“May the 4th be with you”: por qué el 4 de mayo es el Día de Star Wars

Bajo la dirección artística de Luis Gorelik, la velada contará con la participación de Rafael Delekta como director invitado. El programa incluirá la Serenata para cuerdas de Mieczysaw Karowicz y la Sinfonía No. 3 &nbsp;“Polaca” de Piotr. I. Tchaikowsky.Sobre la Sinfonía No. 3 “Polaca” La Sinfonía No. 3 de Tchaikovsky &nbsp;es considerada la Cenicienta del conjunto, por ser interpretada con menos frecuencia y quedar, a menudo, en las sombras. A diferencia de las otras, está ambientada en una tonalidad mayor y posee cinco movimientos en lugar de cuatro. Fue compuesta con facilidad durante un relajado verano de 1875, tras un período en el que el autor creó obras como el Piano Concierto No. 1.Acerca de Rafael Delekta Rafael Delekta nació en Cracovia en 1957 y se graduó en 1981 en la Academia de Música de Cracovia. Allí estudió dirección de orquesta con el profesor Jerzy Katlewicz y ofreció su concierto de graduación con la Orquesta Filarmónica de Cracovia. Luego, amplió sus estudios en cursos impartidos por el profesor Laszlo Somoghy y Helmuth Rilling. Su debut como director fue en la Ópera de Cracovia en 1980. Se especializa en música vocal-instrumental y en todas las formas de teatro musical. Ha puesto en escena 30 estrenos propios con un repertorio que abarca desde Pergolesi hasta Webber y Larsson. Hasta la fecha, ha dirigido aproximadamente 3.000 representaciones. También mantiene una activa carrera de conciertos con orquestas en Polonia y países como EE. UU., México y Brasil.

La Sinfónica de Entre Ríos presenta un novedoso repertorio en el CPC de Paraná

El lanzamiento del tercer sencillo del álbum oficial de la Copa Mundial de la FIFA 2026™ suma ritmo, identidad y proyección global a uno de los proyectos musicales más ambiciosos ligados al deporte. Se trata de “Echo”, una colaboración que une a Daddy Yankee y Shenseea, dos de las figuras más influyentes del reguetón y el dancehall contemporáneo.El tema, presentado el 27 de abril, forma parte de una serie de lanzamientos que acompañarán al mayor espectáculo del fútbol mundial, consolidando una propuesta que busca conectar culturas a través de la música. La producción ejecutiva está a cargo del reconocido productor puertorriqueño Tainy, quien también participó en otros cortes del álbum como “Por Ella”.“Echo” se caracteriza por fusionar los sonidos del Caribe y América Latina, combinando el estilo dinámico de Shenseea con la impronta inconfundible de Daddy Yankee. La canción incorpora además un fragmento de “Red &amp; Black Light” del trompetista franco-libanés Ibrahim Maalouf, quien también integra el equipo de producción junto a Massari, Adium, Jota Rosa y Albert Hype. El resultado es una pieza de alcance global que refuerza la identidad multicultural del álbum.El sencillo fue publicado por las discográficas Def Jam Recordings y SALXCO UAM, y ya se encuentra disponible en las principales plataformas de streaming, mientras que su material audiovisual puede descargarse desde el FIFA Digital Hub para uso editorial.En declaraciones difundidas por la FIFA, Daddy Yankee destacó el poder integrador de la música y el fútbol: “Permite entablar relaciones que trascienden los idiomas y las fronteras”. En la misma línea, Shenseea subrayó el carácter universal de ambas expresiones culturales.<section class="noteSuggested" data-id="77668" data-title="Puede interesarte"></section>

Daddy Yankee y Shenseea producen el tercer sencillo del álbum de la Copa Mundial de la FIFA 2026

El empresario teatral Carlos Rottemberg sostuvo que a la icónica conductora Mirtha Legrand “le afectó mucho el fallecimiento de Luis Brandoni”, ocurrido el pasado 20 de abril. Además, la diva atraviesa un fuerte cuadro gripal por el que continúa en reposo. Según supo la Agencia Noticias Argentinas y, tal como relató el empresario teatral en declaraciones televisivas, mantuvo una llamada telefónica con Legrand ayer “en base a la cantidad de preguntas que hubo desde el lado periodístico sobre su salud”. “Mirtha está bien, actualmente sale de una gripe viral y no hay otra cosa”, explicó, y sostuvo que el diálogo no se basó en la salud de la diva: “Hablamos sobre otros temas, fundamentalmente sobre lo que ocurrió una semana atrás con el fallecimiento de Luis Brandoni, que la afectó mucho y que justo en ese momento estaba en el pico de su problemática gripal; entonces estuvo más ausente”. En tono jocoso y ante la notable preocupación de los medios de comunicación y el ambiente artístico, Rottemberg pidió sobre Mirtha: “Permitámosle tener una gripe”. No obstante, detalló que se trata de “un cuadro fuerte” y que “el doctor le aconsejó que por unas semanas falte a su trabajo, entre otras cosas”. Además, indicó que el padecimiento se debe “principalmente al aire acondicionado, al que Mirtha atribuye haber tenido mucho frío durante una función teatral” y relató: “Ella me dijo que ‘por ser tan conocida’ no se quiso cambiar de butaca ‘y, a lo mejor, me comí todo el frío’”. NA

A Mirtha Legrand “le afectó mucho el fallecimiento de Luis Brandoni”

El evento inició a las 20 con más de 70 músicos en escena para interpretar la Obertura La Gran Pascua Rusa, de N. Rimsky-Korsakov. El director invitado presentó el programa y compartió su emoción: “Este concierto para mí es muy sentimental. Nací en Buenos Aires y me fui a Estados Unidos a los 10 años, hice mi carrera allá y estoy debutando en Argentina; es mi primer concierto volviendo a esta hermosa Patria”, sostuvo. Tras el aplauso del público, Amsel explicó que Rimsky-Korsakov compuso la obra basándose en el canto litúrgico de la Iglesia ortodoxa: “Decidió honrar este estilo no sólo del lado sagrado, sino del lado pagano también. Empieza como un canto unísono muy oscuro, pero para honrar ambos lados aparece una gran danza como el carnaval de los rusos”. Luego de un breve intervalo, el programa continuó con la Sinfonía No. 6 “Pastoral”, de Ludwig van Beethoven. Sobre esta obra, Alex le dijo al público: “Esta sinfonía se vuelve muy íntima; Beethoven estaba ya casi completamente sordo y disfrutaba de la vida alejándose de la ciudad, se iba fuera de Viena a los pueblitos y las montañas para conectarse con la naturaleza y consigo mismo. En esta pieza trata de capturar los recuerdos de las sensaciones que la naturaleza le trae; es una pieza que no mira hacia el pasado sino hacia el futuro”. Finalmente, el director señaló que la obra refleja un ciclo de la vida, desde la contemplación y la danza de los pueblitos hasta la tormenta y el amanecer: “Es la primera vez que lo vemos no con triunfo, sino con agradecimiento porque sale el sol otra vez y podemos buscar más vida, más conexión. Gracias por venir, nos vemos pronto”. Sobre la relevancia de esta presentación, la intendenta Rosario Romero manifestó: “La Sinfónica nos sorprende siempre por su integración, su repertorio, y hoy con un director invitado como Alex Amsel. Contentos, además, con la cantidad de gente que vino a disfrutar de la música en este espacio renovado, que nada tiene que envidiarle a grandes escenarios del mundo”.Próximo concierto El próximo concierto de la Orquesta Sinfónica de Entre Ríos se realizará el sábado 9 de mayo a las 20 en el Centro Provincial de Convenciones (San Martín 15, Paraná). Bajo la dirección artística de Luis Gorelik y con la participación del director invitado Rafael Delekta, el programa incluirá la Serenata para cuerdas de Mieczyslaw Karlowicz y la Sinfonía No. 3 Op. 29 “Polaca” de Piotr I. Tchaikovsky. La actividad es organizada por la Secretaría de Cultura de la provincia, cuenta con el auspicio de IAPSER Seguros y es de entrada libre y gratuita, con acceso por orden de llegada.

La Sinfónica de Entre Ríos se presentó ante más de 700 personas en el Juan L. Ortiz

Harry Potter presentó el trailer de su nueva serie y confirmó que la producción se estrenará en Navidad de 2026.&nbsp;Según supo la Agencia Noticias Argentinas, la plataforma HBO desarrolló esta adaptación televisiva con un nuevo elenco y con el objetivo de volver a contar la historia del joven mago en formato serie. El adelanto muestra a Dominic McLaughlin en el papel de Harry Potter, a Arabella Stanton como Hermione Granger y a Alastair Stout como Ron Weasley, además, se reconstruye el inicio de la historia y expone la vida de Harry en la casa de los Dursley, donde el protagonista vive en condiciones precarias.La secuencia incluye la llegada de la carta de Hogwarts, que marca el comienzo del vínculo de Harry con el mundo mágico. El avance también presenta el encuentro con Hagrid, la revelación sobre los padres del protagonista y el recorrido hacia el andén 9¾.El tráiler exhibe el viaje en el Expreso de Hogwarts, donde Harry conoce a Ron y a Hermione, además de que muestran el inicio de la amistad entre los tres personajes dentro del tren.El clip presenta distintas escenas dentro de Hogwarts, como clases, recorridos por el castillo y la ceremonia del Sombrero Seleccionador. También incluye apariciones de personajes como Dumbledore, Snape, Draco Malfoy y Ollivander. La producción estructura la primera temporada en torno al libro Harry Potter y la piedra filosofal, por lo que, la serie contará con ocho episodios que abordarán el primer año de Harry en Hogwarts. El elenco incluye a John Lithgow en el papel de Dumbledore, a Paapa Essiedu como Snape, a Janet McTeer como McGonagall y a Nick Frost como Hagrid. El reparto suma a Paul Whitehouse, Luke Thallon, Lox Pratt, Bel Powley, Daniel Rigby y Katherine Parkinson.La producción incorpora a Alessia Leoni como Parvati Patil, a Leo Earley como Seamus Finnigan y a Rory Wilmot como Neville Longbottom, y la serie amplía así el universo estudiantil de Hogwarts. La producción aún no confirmó al actor que interpretará a Voldemort y que el proyecto no asigna un rol central a ese personaje en esta primera etapa de la historia. El equipo comenzó el rodaje en julio de 2025 en los estudios Leavesden, en el Reino Unido. La serie cuenta con la dirección creativa de Francesca Gardiner y con episodios dirigidos por Mark Mylod. (NA) &nbsp;

“Harry Potter” confirma su nueva serie que saldrá en Navidad de este año

Hijo de una humilde familia judía dedicada al comercio de pieles, su infancia estuvo marcada por dificultades y problemas de conducta que derivaron en su expulsión de instituciones educativas como el Colegio Julio Argentino Roca y la Escuela Otto Krause, abandonando finalmente sus estudios secundarios. Sin embargo, aquel joven inquieto encontraría pronto su camino en el mundo del espectáculo.A los 15 años comenzó a trabajar como asistente en la banda de jazz de René Cóspito. El giro decisivo llegaría en una despedida de soltero del músico Santos Lipesker, donde improvisó una rutina de chistes que captó la atención del reconocido Pepe Iglesias. Fue él quien lo convocó a Radio Splendid y lo bautizó con el apodo que lo acompañaría toda su vida: “Tato”.Su ascenso fue rápido. Al poco tiempo fue contratado por Pepe Arias y participó en teatro junto a Olga Zubarry. En 1947 debutó en el cine con Olinda Bozán y, tras una intensa carrera en teatro y cine, en 1957 llegó a la televisión, medio en el que alcanzaría su consagración definitiva.Fue en el humor político donde Tato Bores dejó una huella imborrable. Con un estilo único, basado en monólogos vertiginosos y una aguda lectura de la realidad, construyó un vínculo sólido con el público. Gran parte de ese éxito se sostuvo en el trabajo conjunto con destacados guionistas como Landrú, Juan Carlos Mesa, Jorge Schussheim y su propio hijo, Alejandro Borensztein.Durante la presidencia de Arturo Frondizi incorporó a su personaje el clásico frac y la peluca, ironizando sobre la inestabilidad política de la época. A lo largo de su carrera supo sortear la censura con inteligencia, incluso en contextos complejos como la última dictadura militar, cuando, bajo estrictos controles, logró mantenerse al aire desde 1978 con su recordado “teléfono rojo”, desde el cual simulaba llamadas al poder.Su talento trascendió medios: fue reconocido en televisión por sus programas políticos, en cine por sus comedias —muchas junto a Alberto Olmedo— y en teatro por obras como “La jaula de las locas”, que protagonizó con Carlos Perciavalle.Uno de los episodios más recordados de su carrera ocurrió en 1992, cuando un fallo judicial de la jueza María Romilda Servini de Cubría intentó limitar su contenido humorístico. La reacción del mundo artístico fue inmediata: figuras como Alejandro Dolina, Luis Alberto Spinetta, Gustavo Cerati y Antonio Gasalla, entre muchos otros, se unieron en una emisión histórica en defensa de la libertad de expresión.Tato Bores falleció el 11 de enero de 1996, dejando un legado que sigue vigente. En 1999, el realizador Emilio Cartoy Díaz, junto a sus hijos, impulsó el ciclo “La Argentina de Tato”, una síntesis brillante de su trayectoria que culmina con el recordado “Monólogo 2000”, una pieza que aún hoy resuena como una clase magistral sobre la historia política del país.A más de un siglo de su nacimiento, su figura permanece como símbolo del humor inteligente, crítico y comprometido. Y su despedida, convertida en marca registrada, sigue resonando con vigencia: “Queridos chichipíos, a seguir laburando, la neurona atenta, vermouth con papas fritas y… ¡good show!”.<section class="noteSuggested" data-id="77528" data-title="Puede interesarte"></section>

Tato Bores, el hombre que hizo reír y pensar a toda la Argentina

El espectáculo, desarrollado en el barrio de Palermo sobre un circuito callejero especialmente montado, reunió a una multitud que colmó las avenidas Libertador y Sarmiento desde horas tempranas, en una jornada que combinó deporte, entretenimiento y fuerte impacto simbólico para el automovilismo argentino.De acuerdo a los datos oficiales, la cifra de asistentes posiciona al evento como uno de los más convocantes en la historia reciente de la Ciudad, reflejando el enorme interés que despierta la Fórmula 1 en el país.La presencia masiva de público, con familias, jóvenes y fanáticos llegados incluso desde distintos puntos del país, acompañó cada salida a pista de Colapinto, quien realizó maniobras de exhibición a bordo de un monoplaza, generando una atmósfera de entusiasmo pocas veces vista en este tipo de eventos.Desde el Gobierno de la Ciudad destacaron la magnitud de la convocatoria como una muestra concreta del potencial local para albergar grandes competencias internacionales, en el marco de la intención de posicionar nuevamente a Buenos Aires en el calendario del automovilismo mundial.<section class="noteSuggested" data-id="77562" data-title="Puede interesarte"></section>

La Ciudad de Buenos Aires confirmó que más de 600 mil personas disfrutaron de la exhibición de Franco Colapinto

Más de 600 mil personas presentes en la exhibición de Franco Colapinto

La edición 2026 de los Martín Fierro de la Moda consagró el domingo 26 de abril a Juana Viale con el galardón de oro, durante una gala transmitida en vivo desde los estudios de Telefé.“No me lo esperaba. Quiero agradecer a mi equipo y principalmente a mis hijos que son los que aguantan a una madre laburadora que muchas veces no está en la casa. A mi madre, que ella trabajó mucho en la moda y me enseñó mucho. A mi abuela, Mirtha, que es la más coqueta y es algo que no se verá jamás en la faz de la tierra. Heredé algo que no sé qué es pero acá está”, dijo en su discurso. (Infobae)<section class="noteSuggested" data-id="77541" data-title="Puede interesarte"></section>&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Juana Viale se llevó el Oro en los Martín Fierro de la Moda 2026

La Academia del Cine de España informó este domingo que murió el prestigioso director argentino Adolfo Aristarain. “Muy ligado al cine español, recibió dos Premios Goya y la Medalla de Oro de la Academia de Cine”, señaló la entidad. Aristarain, que falleció a los 82 años, vivió durante años entre España y Argentina. Precisamente en España, dos años atrás, fue condecorado con la Medalla de Oro. Este director notable y clave de nuestro cine realizó 11 películas y en otras treinta se desempeñó como asistente. En su haber hay clásicos como Tiempo de revancha (1981), filmada en plena dictadura militar argentina; Un lugar en el mundo (1992) y Martín (Hache) (1997). En sus últimos veinte años no ha filmado, pero él nunca se sintió retirado. En una entrevista con El País de España, realizada en 2024, el director hablaba de por qué llevaba tantos años sin filmar. “A partir de 2010 paré y más tarde desarrollé la idea de hacer una historia de [Ástor] Piazzolla. Pero en 2019 me operaron del corazón y recién hace un mes terminé la recuperación. Me operaron durante 11 horas. Yo pedí los videos porque quería saber qué había pasado durante todo ese tiempo, pero no me los quisieron mostrar. Cuando tenía que arrancar con la recuperación empezó la pandemia. Todo esto me demoró bastante. Ya había pedido los derechos del libro que escribió la hija de Piazzolla, Diana. Negocié con los hijos de Diana, que son un encanto. Fui sondeando dónde conseguir el dinero, lo que no calculé era que la película era demasiado cara”. Clarísimo a la hora de hablar con la prensa, en 2013, con motivo de una retrospectiva de su obra en el Bafici, señaló en diálogo con La Nación: “Mis películas tenían un objetivo claro, que era muy visible en La parte del león o en Tiempo de revancha: atacar al capitalismo, que es un sistema que considero salvaje. Hoy pienso lo mismo, este sistema nos destruye sin la más mínima piedad y hay que cambiarlo, no queda otra. Hay pequeñas modificaciones que fuimos viendo para mejor en América Latina, muy prometedoras, pero el sistema te sigue apretando”. Adolfo Aristarain nació el 19 de octubre de 1943 en Buenos Aires y vivió sus primeros años en Parque Chas. Sus primeros acercamientos al cine fueron como montajista y sonidista en Río de Janeiro, Brasil, y como ayudante de producción en Buenos Aires. “En mi cine hay ideología, claro, pero no como bandera o mensaje, sino a través de lo que dicen o viven los personajes. Lo que hay que evitar es el embanderamiento a ultranza, porque eso sirve nada más que para hablar con los tipos que piensan como uno y no para convencer a los demás”, aclaró en aquella oportunidad. Durante la charla con este medio admitió que lo que siempre buscó con sus películas fue hacer pensar a la gente. “En La parte del león, que filmé durante la dictadura militar, un tipo se arruina la vida y arruina a todo lo que lo rodea en su afán por tener plata y otro nivel de vida. Eso supongo que hará reflexionar a todo espectador más o menos inteligente”, tomó como ejemplo de esa idea troncal de que fueran sus personajes los que se hicieran cargo de su deseo permanente como creador. En 2024, con motivo de la ya mencionada Medalla de Oro que le hizo entrega la Academia de Cine de España, como Aristarain no pudo viajar a la Península Ibérica (de la cual también adoptó la nacionalidad), fueron las autoridades españolas las que vinieron a Buenos Aires para condecorarlo. Actores, amigos y directores de cine participaron de la ceremonia que tuvo lugar en el Malba. En dicho marco, Marcelo Piñeyro se refirió a su producción: “Las películas de él, en mi vida, fueron importantes como espectador. Yo recuerdo cuando vi La parte del león, en plena dictadura parecía mentira que se hiciera esa película. Tiempo de revancha y Últimos días de la víctima, lo mismo. Nunca paró, porque después Un lugar en el mundo te abría la cabeza, Martín (Hache), Lugares comunes, Roma o La ley de la frontera, un western divertidísimo, demuestran que Adolfo hizo todas grandes películas y además es una persona de una gran calidez que siempre te alentó“. Por su parte, Diego Lerman se refirió al director en aquel momento con estas palabras: “Para mí es uno de nuestros más grandes cineastas... Sus películas nos marcaron un montón. En mi caso, tanto él como Leonardo Favio, José Martínez Suárez, Manuel Antín o Torre Nilsson son grandes referentes. En su caso, La parte del león, Tiempo de revancha, Un lugar en el mundo, son grandes clásicos de nuestra historia cinematográfica”, sostuvo el también cineasta. Fuente: La Nación.

Murió Adolfo Aristarain, el director de “Un lugar en el mundo”

Franco Colapinto&nbsp;cerró una jornada histórica para el deporte argentino: después de 14 años, un auto de&nbsp;Fórmula 1&nbsp;giró en las calles de Buenos Aires. El joven de 22 años manejó el&nbsp;Lotus E20&nbsp;de 2012 y la icónica réplica de&nbsp;la&nbsp;Flecha de Plata&nbsp;de&nbsp;Juan Manuel Fangio, con la que se consagró campeón mundial en 1954 y 1955. En un evento que duró más de seis horas y que, según informó el Gobierno de la Ciudad, contó con la participación de&nbsp;más de 600 mil personas&nbsp;a lo largo de todo el circuito callejero en&nbsp;Palermo, el pilarense grabó su nombre en la historia del automovilismo nacional con el Road Show.Con la presencia de múltiples estrellas del país y diferentes shows musicales, Colapinto cerró la actividad en la pista&nbsp;dando una vuelta en un micro descapotable&nbsp;para sentir el calor de los aficionados de cerca. Incluso,&nbsp;corrió cerca de las vallas de seguridad para saludar a la gente&nbsp;durante gran parte del circuito.Las tres salidas a pista con los monoplazas duraron cerca de 20 minutos.&nbsp;Su primera aparición en el&nbsp;Lotus E20&nbsp;se produjo cerca de las 12:55. Más tarde, rodó con la histórica Flecha de Plata de Fangio, donde&nbsp;también utilizó una réplica del casco del&nbsp;Chueco. En su última salida con el vehículo del 2012, Franco exprimió al máximo la experiencia y&nbsp;el auto terminó con los caños de escape en llamas.“Fue un fiestón. Vino gente de Brasil, Paraguay, Uruguay y Chile. Estamos felices por esta gran movida. Fue un esfuerzo importante traerlo y hubo una gran organización. Es una manera más de tratar de convencer a la gente de la Fórmula 1 para que confíe en nosotros, hay que ganarle a otras ciudades del mundo. Y esto es un plus a favor nuestro”, enfatizó&nbsp;Jorge Macri,&nbsp;Jefe de Gobierno porteño.Tras una jornada para el recuerdo, Franco Colapinto deberá afrontar la próxima semana el&nbsp;Gran Premio de Miami&nbsp;por el campeonato oficial de la Fórmula 1. (Infobae)&nbsp;

Histórico: Franco Colapinto rodó por primera vez con un Fórmula 1 por las calles de Buenos Aires frente a más de 600 mil personas

Colapinto rodó por primera vez con un Fórmula 1 por las calles de Buenos Aires

Herederos de una extensa tradición circense que se remonta al siglo XIX, los tres artistas crecieron en el seno de la familia Aragón, ligada históricamente al mundo del espectáculo. Su padre, Emilio Aragón Foureaux —conocido como “Emig”— integraba junto a sus hermanos el reconocido trío “Pompoff, Thedy y Emig”, una de las formaciones más influyentes del circo europeo.Antes de consolidarse como el trío que alcanzaría fama internacional, los hermanos dieron sus primeros pasos en distintas formaciones. En 1934 realizaron una gira bajo el nombre “Clown, Gusto y Contragusto”, mientras que Gaby desarrolló una etapa en solitario durante cinco años. Finalmente, aquel 24 de abril debutaron formalmente como “Gaby, Fofó y Emilín”, nombre que poco después derivaría en el definitivo “Miliki”.El éxito no tardó en llegar. Durante siete años se presentaron en el emblemático Circo Price de Madrid, donde consolidaron un estilo basado en el humor sano, ingenuo y musical. En 1946 emprendieron un nuevo rumbo al emigrar a América, iniciando una etapa de 25 años cargada de popularidad. Cuba fue su primera parada, donde sus apariciones televisivas los catapultaron a la fama continental.Con el correr de los años, su impacto se expandió por Puerto Rico, México, Venezuela y Estados Unidos, hasta que en 1970 desembarcaron en la televisión argentina, donde alcanzaron uno de los puntos más altos de su carrera. Ese mismo año se incorporó Alfonso Aragón Sac (Fofito), hijo de Fofó, ampliando la formación. En ese período también protagonizaron exitosas producciones cinematográficas como Había una vez un circo, que quedó en la memoria colectiva de varias generaciones.En 1972 regresaron a España para encabezar el histórico ciclo televisivo “El gran circo de TVE”, consolidándose definitivamente como “Los Payasos de la Tele”. Sin embargo, en 1976 la muerte de Fofó marcó un duro golpe para el grupo y sembró dudas sobre su continuidad. Aun así, el proyecto siguió adelante con nuevas incorporaciones, entre ellas Emilio Aragón Álvarez (Milikito), hijo de Miliki, y posteriormente Rodolfo Aragón (Rody).La formación continuó activa hasta 1983, año en que el grupo se disolvió definitivamente. A partir de entonces, Gaby y Miliki siguieron vinculados al mundo artístico de manera individual. Gaby falleció en 1995 y Miliki en 2012, cerrando así el ciclo de una de las duplas más queridas del entretenimiento infantil.<section class="noteSuggested" data-id="77409" data-title="Puede interesarte"></section>

A 87 años del nacimiento de un ícono del humor infantil

El encuentro se realizará en el Hostel Concordia (Espino 272), con entrada libre y gratuita, abierta a toda la comunidad. El video fue dirigido y editado por Lucas Passos junto a Ema Ferreyra en Cámaras, combinando imágenes del pianista en el Teatro Gran Odeón junto con registros de los antiguos y los actuales saltos del Río Uruguay Además, habrá música en vivo al piano, generando un espacio de encuentro entre la memoria, el arte y la identidad regional &nbsp;

Salto Grande al Piano

“Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad, Luis Puenzo, quien falleció en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años. Desde Argentores enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas en este difícil momento”, señala el comunicado. Nacido en la ciudad de Buenos Aires el 19 de febrero de 1946, Puenzo inició su carrera profesional en el ámbito de la publicidad en la década de 1960. Consiguió trabajo como dibujante en la agencia de publicidad Gowland, donde se convirtió después en redactor publicitario, para pasar en poco tiempo a formar parte de la agencia creada por David Ratto. Próximo a esa oficina se encontraba el estudio del cineasta publicitario Alejandro Castro, a quien Puenzo le acercó sus primeros guiones. En poco tiempo fundó su empresa: Luis Puenzo Publicidad, con la que se convertiría en referente del sector. De esos juveniles años surgieron sus deseos de convertirse en director. Su primer proyecto cinematográfico fue La mitad, sobre la primera fundación de Buenos Aires, una idea que lo unió por primera vez a la gran guionista Aída Bortnik, aunque no consiguió superar la etapa del guion inicial; publicó el diario La Nación. Su debut como director y guionista de largometrajes se produjo en 1973 con Luces de mis zapatos, una película infantil protagonizada por Pipo Pescador y Norman Briski. Posteriormente, participó en la dirección del corto Cinco años de vida como parte del largometraje colectivo Las sorpresas (1975). El reconocimiento internacional llegó con el estreno de La historia oficial, que dirigió y coescribió junto a Bortnik. La película, protagonizada por Norma Aleandro y Héctor Alterio, abordó la temática de las apropiaciones de menores durante la última dictadura militar argentina. La obra obtuvo múltiples galardones, destacándose el premio Oscar a la Mejor película extranjera en 1986, el primero en la historia del cine argentino. En esa misma ceremonia, Puenzo y Bortnik recibieron la nominación al Oscar en la categoría de Mejor guion original. Además, el film fue premiado en el Festival de Cannes, ganó el Globo de Oro a Mejor película en lengua no inglesa y obtuvo el premio Cóndor de Plata de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina. Tras La historia oficial, Puenzo continuó su carrera de director y guionista con títulos como Gringo viejo (1989), adaptación de la novela del escritor Carlos Fuentes, una producción internacional que contó con las actuaciones de Jane Fonda, Gregory Peck y Jimmy Smits, ambientada en los años de la Revolución Mexicana; La peste (1992), basada en la novela homónima de Albert Camus, donde adaptó el guion y dirigió a un elenco encabezado por William Hurt, Robert Duvall y Raúl Juliá, y La puta y la ballena (2004), largometraje rodado entre la Argentina y España protagonizado por Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón. Por otro lado, Puenzo tuvo participación activa en la política audiovisual argentina. En 1994 participó de la redacción de la Ley de cine (ley Nº 24.377/94), que establece la autarquía del Incaa y la forma de financiamiento, lo que dio un impulso a la producción de películas. Fue también uno de los miembros fundadores de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, en 2004. Entre finales de 2019 y abril de 2022, se desempeñó como presidente del Incaa. Si bien Puenzo aspiraba a permanecer en el cargo en lo que quedaba del gobierno de Alberto Fernández, la Casa Rosada tomó la decisión de apartarlo a raíz de protestas de empleados y actores, que criticaban su gestión, destacó el diario La Nación. Lo que más se le reprochaba a su gestión es que no hubiese priorizado el reclamo por la continuidad de las políticas de fomento para el cine argentino. El temor de estos sectores era que a fin de ese año se perdieran los fondos que recibía directamente el Incaa como organismo autárquico para el fomento de la producción local. Tal como señalaba su biógrafo, Ricardo García Oliveri, la trayectoria de Puenzo “es un caso tan atípico cuanto paradigmático” porque, siendo el primer ganador de un Oscar local, terminó ganándose -como pocos desde la vuelta de la democracia- la antipatía de la industria que lo vio nacer como el director argentino que supo hacer pie en Hollywood.

Falleció Luis Puenzo, considerado un emblema del cine nacional

Bajo la dirección artística de Luis Gorelik, la velada contará con la participación de Alex Amsel como director invitado. El programa incluirá la obertura La Gran Pascua Rusa, de Nikolái Rimski-Kórsakov, y la Sinfonía N° 6 Pastoral, de Ludwig van Beethoven. Sobre la obra Beethoven compuso su sexta sinfonía en simultáneo con la quinta, aunque con un carácter brillante y relajado. El autor indicó que sus intenciones con esta pieza eran lograr "una expresión de sentimiento más que de descripción", marcando un hito en la música programática. En esta obra, los cantos de los pájaros y los sonidos de la naturaleza no son solo detalles ilustrativos, sino elementos musicalmente pertinentes. El autor logró que la apreciación de los paisajes y los sentimientos expresados se fundan en una estructura interactiva y abstracta. La Orquesta Sinfónica de Entre Ríos, organismo dependiente de la Secretaría de Cultura, continúa con su ciclo de conciertos gratuitos en distintos espacios de la provincia. Estas instancias buscan democratizar el acceso a la cultura y poner en valor el patrimonio musical universal en contacto directo con la comunidad. Se recomienda al público asistir con antelación, ya que la capacidad del salón es limitada y el ingreso se realizará hasta completar el aforo del centro cultural. &nbsp;

La Sinfónica de Entre Ríos presenta la Sinfonía Pastoral de Beethoven

La muerte de Luis Brandoni, a los 86 años, dejó un profundo vacío en la cultura argentina y reavivó el recuerdo de una carrera marcada por interpretaciones memorables en cine, teatro y televisión. Uno de sus trabajos más destacados fue La Patagonia Rebelde, según se informó la Agencia Noticias Argentinas, un film clave del cine político argentino que reconstruye las huelgas obreras en el sur del país. Allí, Brandoni formó parte, interpretando a Antonio Soto, de un elenco que logró retratar con crudeza un episodio histórico. Otra de sus participaciones inolvidables llegó con Esperando la carroza, considerada una de las comedias más icónicas del país, donde le dio vida a Antonio Musicardi. En este clásico del humor negro, el actor desplegó su talento en un registro completamente distinto, demostrando su versatilidad y su capacidad para conectar con el público desde el humor cotidiano. En la misma línea de éxitos, Brandoni brilló siendo Osvaldo en Made in Argentina, una historia que abordó el reencuentro de dos hermanos atravesados por el exilio y la crisis económica. Su interpretación aportó profundidad emocional a un relato que reflejaba la realidad social de la época y que hoy es recordado como un testimonio clave de aquellos años. A lo largo de su trayectoria, Brandoni participó en numerosos títulos como La tregua, en el papel de Esteban Santomé, y Cien veces no debo, siendo Julio, consolidando una filmografía diversa que combinó drama, comedia y crítica social.Más allá de los premios y el reconocimiento, el legado del actor queda marcado por su capacidad de representar distintas facetas de la identidad argentina en la pantalla. Con una carrera que atravesó décadas, sus películas más famosas no solo forman parte de la historia del cine, sino también de la memoria cultural del país.

Espectáculos

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